Für den Design Mission Award des Sächsischen Staatspreises für Design 2025 konnten sich sächsische Designschaffende bewerben sowie Auftraggeber und Hersteller deutschlandweit, sofern sie mit sächsischen Gestalter:innen zusammenarbeiten. Aus 120 Einreichungen für den Design Mission Award hat die Jury im Haupt- und Nachwuchsbereich 18 Designleistungen nominiert.
ETABLIERTER BEREICH
NACHWUCHSBEREICH
unimory ist ein Spiel für alle. Es zeichnet sich durch seine hochwertigen taktilen Spielsteine, Verpackung mit Brailleschrift und barrierefrei verfügbaren Spielanleitungen aus. So können Menschen mit verschiedenen Voraussetzungen – unabhängig von Alter, Sehfähigkeit oder anderen Einschränkungen – gleichberechtigt miteinander spielen und gemeinsam Spaß haben.
Das Spielprinzip ist ähnlich eines Memorys
Anders als Spiele, die für Menschen mit Einschränkungen aufwändig und teuer angepasst wurden, ist unimory von Beginn an für alle gestaltet. Das Spielprinzip basiert dabei auf dem klassischen Memory und ist damit einfach für jeden zugänglich. Im Gegensatz zu herkömmlichen Legekarten-Memorys setzt unimory auf taktile Spielsteine. Diese lassen sich nicht nur viel einfacher greifen, sondern vor allem auch haptisch ertasten. Ob zwei Steine als Paar zusammengehören, kann man also nicht nur sehen, sondern auch fühlen. Und wenn man sich nicht ganz sicher ist, probiert man es einfach aus! Spielsteine, die als Paar zusammengehören, fügen sich mit einem hörbaren “Clack” zu einem zusammen.
Aber wir setzen nicht nur auf soziale, sondern auch auf ökologische Nachhaltigkeit. unimory ist langlebig und robust gestaltet, lässt sich in der Spülmaschine reinigen und der zu 80% mit Holz versetzte Recyclingkunststoff lässt sich immer wieder verwenden.
Einzigartig an unimory ist außerdem, dass die gesamte Produktentwicklung in Deutschland stattfindet: Entworfen in Dresden, werden die Spielsteine in Hessen hergestellt. Die barrierefreien Verpackungen kommen aus Bayern und werden mit Liebe aus der sächsischen Landeshauptstadt zusammengestellt und verschickt. Entsprechend stolz ist unimory darauf, dass wir vom Freistaat Sachsen und der Europäischen Union bei unserem Vorhaben, Inklusion spielend voranzutreiben, unterstützt werden.
Website: unimory.eu
Instagram: @unimory.eu
LinkedIn: @unimory
Seit 2018 werden in der historischen Strickfabrik, unweit des Erzgebirges, die exorbitant leichten und haltbaren Speichen von PI ROPE aus textilem Material für den ambitionierten Fahrradeinsatz gefertigt. Getreu dem Motto, dass Tradition nicht in dem Aufbewahren der Asche besteht, sondern im Weiterreichen der Streichhölzer, hat sich das Projekt auf die Fahne geschrieben, die traditionelle Fortbewegung auf muskelkraftbetriebenen Fahrrädern durch einen neuen technologischen Ansatz zu bereichern. Immer mit der Maßgabe, der Fahrradfahrerin oder dem Fahrradfahrer einen Mehrwert zu bieten, der mit etablierten Lösungen nicht erzielbar ist. Leichter, komfortabler, individueller – so die drei Schlagworte, die die Hauptziele von PI ROPE kurz und prägnant beschreiben. Diese drei Attribute sind nur durch den Einsatz neuer Materialien und Denkweisen zu erreichen.
2013 als Forschungsprojekt der TU-Chemnitz gestartet, konnte in einer mehrjährigen Forschungs- und Entwicklungsphase eine haltbare und praxistaugliche Lösung erarbeitet werden, die die gesteckten Ziele vollständig erfüllt. Die textile Speiche aus der Hochleistungsfaser Vectran war geboren, einem Polymer das hervorragende chemische und physikalische Eigenschaften für den Fahrradbau mitbringt.
In Kombination mit ausgesuchten Komponenten aus dem Felgen- und Nabenbereich, lassen sich Laufräder bauen, die in Performance und Design zu überzeugen wissen. Leichtbau trifft auf dämpfende, komfortable Fahreigenschaften, gepaart mit Individualität und Design. Die geflochtene Optik der Speiche spricht für sich und dank des neuen Materials ergeben sich zusätzliche Gestaltungsmöglichkeiten und Freiheiten im Design, die mit konventionellen Stahlspeichen schwer umsetzbar sind. Durch die zahlreichen farblichen Gestaltungsmöglichkeiten, habt ihr die Chance jedes Laufrad zu genau eurem Laufrad zu personalisieren. Mach dein Bike so individuell wie dich selbst! #ridetherope
Website: pirope.net
Instagram: @pi_rope
Um Erkrankungen des Bluts, z.B. Leukämie zu erkennen und diagnostizieren bedarf es eines Myelogramms. Die dazu notwendige Untersuchung von Knochenmarkproben erfolgt seit über 70 Jahren nach derselben Methode: Beim Knochenmarkabstrich werden Zellen manuell mikroskopisch analysiert und bestimmt. Wie häufig kommt welcher Zelltyp vor?
Diese Vorgehensweise ist zeitaufwendig, benötigt hochqualifiziertes Personal und führt dennoch nicht immer zu reliablen Ergebnissen. Cancilico revolutioniert diesen diagnostischen Prozess mit der KI-basierten Software MyeloAID.
MyeloAID automatisiert die komplexen und vorwiegend analogen Abläufe grundlegend. Das UX/UI-Design unterstützt den Wandel aktiv und nutzerzentriert, indem vertraute klinische Routinen nahtlos und intuitiv in digitale Machbarkeit integriert wurden. Die Nutzung via Browser bringt zusätzliche Unabhängigkeit für die Anwender.
Das Interface ist klar strukturiert, übersichtlich. Abläufe und Interaktionen sind eindeutig und reduziert. Medizinische Anwender profitieren von einer schnellen Orientierung und präziser Führung durch MyeloAID, wodurch Aufwand reduziert und zugleich die diagnostische Genauigkeit gesteigert wird.
Oberste Priorität bei der Gestaltung hatte die intuitive und fehlerresistente Bedienbarkeit der Anwendung, um medizinischem Fachpersonal die Akzeptanz und den sicheren Umgang mit der neuen Technologie zu erleichtern. Vertrauensstiftend ist die funktionale Kombination aus KI-Technologie und menschlicher Kontrolle, während UX und UI beide Welten erkennbar voneinander trennen. Durch das nachvollziehbare Interface können Anwender die KI-generierten Analysen eigenständig validieren und korrigieren, sodass die Kontrollinstanz Mensch dem Prozess erhalten bleibt. Diese Transparenz unterstützt maßgeblich die Akzeptanz digitaler Innovationen im klinischen Alltag. Rückmeldungen aus der klinischen Praxis bestätigen eine erhebliche Zeitersparnis, die Belastbarkeit der Ergebnisse und betonen die Einfachheit der Anwendung.
Website: neongrau.de
Website: cancilico.com
LinkedIn: @cancilico
LinkedIn: @neongrau-design
Instagram: @neongrau.design
Was passiert mit all dem Holz, Papier und den Farben nach dem Ende einer Ausstellung? Wo landen Bühnenbilder und Kostüme wenn der Vorhang gefallen ist? Wie können wir in Kulturinstitutionen ein Bewusstsein für Nachhaltigkeit in der künstlerischen Praxis aber auch im Berufsalltag entwickeln?
Im Mehrweglabor sammeln wir Restmaterialien aus dem Kulturalltag, die sonst im Müll gelandet wären, und machen diese für Mitarbeiter:innen und Besucher:innen sichtbar. Wie lassen sich diese Materialien nachhaltig nutzen und wie können sie kreativ wieder verwertet werden? Das Mehrweglabor ist auch eine Upcyclingwerkstatt, in der mit den Materialien experimentiert werden und Neues entstehen kann.
Dazu gibt es im Mehrweglabor ein Materiallager, einen Werkstattbereich, eine Bibliothek und eine Präsentationsfläche. In verschiedenen Workshopangeboten wird der Raum kreativ aktiviert. Darüber hinaus ist die Werkstatt auch ohne Anleitung nutzbar. Folgende Fragen sind als Handlungsanweisung im Raum sichtbar um direkt loszulegen: Welches Material interessiert dich? Was könnte es sein? Wieso wurde es wohl nicht mehr gebraucht? Wofür könntest du es im Alltag gut gebrauchen? Welches Material passt gut dazu?
Welche Werkzeuge brauchst du um das Material umzugestalten, zu reparieren oder einen anderen Zweck zu geben? Was zu welcher Zeit als unbrauchbar und wertlos betrachtet wird, sagt etwas über die Gesellschaft aus in der wir leben. Im Mehrweglabor gehen wir davon aus, dass Müll nicht nur etwas materielles, sondern auch sozial konstruiert ist. Dieser Gedanke macht das Material zu einem spannenden Forschungsgegenstand für ästhetische Prozesse. Es wird getüftelt, gebastelt, gebaut und neu kreiert. Alle sind eingeladen ihre Ideen mitzubringen.
Das Mehrweglabor wurde im Rahmen der Sammlungsausstellung 2023 „Things that were are things again“ der Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig entwickelt und ist seitdem dort zu sehen.
Website: gfzk.de
Instagram: @gfzk.leipzig
Der TK100 von innoMADE ist ein autonomer Feldroboter, der speziell für den Einsatz im Acker-, Gemüse- und Reihenkulturanbau entwickelt wurde. Dank seiner modularen Bauweise, drei Anbauräumen (Front, Heck und Zwischenachse) sowie standardisierter Schnittstellen (Dreipunkt, Zapfwelle, ISOBUS usw.) ermöglicht er den flexiblen Einsatz verschiedenster Anbaugeräte, ohne dass eine Umrüstung bestehender Technik erforderlich ist.
Ein herausragendes Merkmal ist die Fähigkeit, bis zu drei Arbeitsprozesse gleichzeitig durchzuführen. Dank seiner hohen Flächenleistung (z. B. 2 ha/h mit Grubber) und der Möglichkeit zur Fernüberwachung und -steuerung über mobile Endgeräte eignet er sich ideal für den 24-Stunden-Betrieb – auch im Schwarmverbund mit weiteren Einheiten. Dies steigert die Schlagkraft erheblich und eröffnet neue Perspektiven für die Automatisierung in der konventionellen und biologischen Landwirtschaft.
Angetrieben wird der TK100 von einem 75 kW starken CNG-Motor, der sowohl mit Erdgas als auch mit Biogas betrieben werden kann. Mit vier Gastanks (90 kg) erreicht er eine Einsatzdauer von bis zu acht Stunden bei 80 % Motorauslastung. Die Betankung kann direkt an der eigenen Biogasanlage erfolgen, wodurch er besonders nachhaltig ist.
Der TK100 wurde mit besonderem Augenmerk auf Benutzerfreundlichkeit und einfache Wartung konzipiert. Die intuitive Bedienoberfläche wurde in enger Zusammenarbeit mit Landwirten entwickelt. Die modulare Architektur erlaubt eine flexible Anpassung an unterschiedliche Einsatzszenarien und erleichtert Reparaturen und Upgrades. Das Design basiert auf diesen Prinzipien und konzentriert sich auf das Antriebsmodul als visuell auffälligsten Teil der Maschine. Ein Großteil der Struktur- und Designkomponenten wird im eigenen Haus gefertigt, was eine hohe Fertigungstiefe, Qualitätssicherung und schnelle Ersatzteilverfügbarkeit garantiert – ein klarer Vorteil gegenüber herkömmlichen Systemen.
Website: tu-dresden.de/ing/maschinenwesen
Instagram: @technischesdesign
LinkedIn: @technischesdesign
Das Designkollektiv des Fabmobil e.V. hat in den letzten Jahren ein umfängliches und offenes System zur zielgruppengerechten Kommunikation des Fabmobils und der Lokallabore entwickelt.
Das Fabmobil bringt als zur fahrenden Werkstatt umgebauter Doppeldeckerbus Digitalisierungswissen zu jungen Menschen in den ländlichen Räumen Sachsens. Die gestalterische Herausforderung für das Designkollektiv liegt darin, komplexe didaktische Inhalte für unterschiedliche Altersgruppen verständlich und einladend aufzubereiten. Hinzu kommt der neue“ Ansatz des Fabmobils, der für Lehrer*innen genauso verständlich sein muss wie für Sozialpädagog:innen. Die Gestaltung soll nachvollziehbar sein und sich von Bildungsmedien aus dem Schulbereich abheben.
Zentrale Maßnahmen sind die frisch gestaltete und dabei klar strukturierte, barrierearme Website mit reduziertem Layout und eindeutiger Navigationsführung sowie die visuelle Gestaltung von Lernkarten, die durch Icons, Farbcodierung und niedrigschwellige Sprache den Einstieg in Programme im Bereich Design und Code erleichtern. Die Karten sind digital und analog nutzbar, frei verfügbar und didaktisch erprobt. Die Website dient als Open Education Ressource und stellt den gesamten Wissenspool des Fabmobil Projekts kostenfrei zur Verfügung.
Zwei transportable „Fabmodule“ wurden 2025 entwickelt um neben den Lokallaboren eine schulinterne Verstetigung des Projekts zu ermöglichen. Fabmodule sind umfänglich ausgestattete „mini Fabmobile“, die für 6 Monate in den Schulen verbleiben und so gestaltet, dass sie den Projektcharakter transportieren und zugleich offen zugänglich, schnell anzueignen niederschwellig zu benutzen sind. Verantwortlich für die Fabmodule sind von uns gebriefte Schüler*innen
Für Feedback und Evaluation hat das Fabmobil eine eigene App. Das Kollektiv hat sie so gestaltet und strukturiert, dass junge Teilnehmende zu Beginn eines Workshops digital registriert und ongeboardet werden und zum Abschluss qualitatives Feedback geben können.
In Zeiten, in denen Nachhaltigkeit nicht nur gefordert, sondern zum echten Wettbewerbsvorteil wird, bietet autinityE3 eine kraftvolle Antwort: Eine UI/UX-getriebene Plattform, die Unternehmen befähigt, ihre Energieflüsse zu verstehen, zu gestalten und Verantwortung zu übernehmen – datenbasiert, transparent und intuitiv.
Das System verarbeitet alle Arten von Energiedaten und macht diese ganzheitlich erfassbar. Die Software erlaubt es, das eigene Unternehmen aus einer neuen Perspektive zu betrachten: dem Blickwinkel der Energieeffizienz. Was verbrauchen Maschinen wirklich? Wo entstehen Verluste? Welche Prozesse sind effizient – welche nicht? Das individuell gestaltbare Cockpit bildet dafür das Herzstück. Anwender komponieren ihr eigenes Dashboard aus konfigurierbaren Widgets, passen Inhalte, Layout und Granularität frei an – und speichern verschiedene Ansichten für unterschiedliche Szenarien.
Die Herausforderung: maximale Anpassbarkeit bei absoluter Klarheit. Durch Nutzerforschung, Prototypen und iteratives Testing entstand eine Oberfläche, die für Einsteiger sofort zugänglich ist und Experten sowie Neueinsteigern tiefgehende Analysen ermöglicht. KI-Prognosen, interaktive Grenzwerte und maschinennahe Visualisierungen machen aus reinen Verbrauchswerten echte Handlungsimpulse.
Die klare, reduzierte Gestaltung unterstützt nicht nur die Usability, sondern schafft auch Vertrauen in die Datenbasis und stärkt das Bewusstsein für nachhaltige Entscheidungen. Ein konsistentes Designsystem ermöglicht Skalierbarkeit, von einzelnen Linien bis zur globalen Werkslandschaft – browserbasiert, wartbar und zukunftsfähig.
Als 100%ige Eigenentwicklung der Schaeffler Digital Solutions aus Chemnitz ist autinityE3 mehr als ein Werkzeug. Es ist ein Zugang zu echter Veränderung – eine Plattform, die nicht nur informiert, sondern aktiviert. So zeigt autinityE3: Gutes UI/UX-Design kann nicht nur Komplexität auflösen – es kann auch Wandel ermöglichen.
Das Herbarium Machina (herbarium-machina.de) ist ein digitales Designprojekt, welches das klassische Konzept eines Herbariums neu interpretiert. Statt gepresster Pflanzen zeigt die Website detailreiche, interaktive 3D-Modelle einheimischer Arten. Durch intuitive Scroll- und Cursorbewegung lassen sich die Objekte frei drehen – eine visuelle und haptische Annäherung an botanisches Wissen, die mit gewohnten Darstellungskonventionen bricht.
Das Interface ist konsequent reduziert gestaltet. Ein tiefer schwarzer Hintergrund und eine klare Struktur geben den organischen, teils skulptural wirkenden Pflanzenscans maximalen Entfaltungsraum. Die visuelle Sprache basiert auf Kontrasten: Das Spiel mit den unterschiedlichen Glyphen der experimentellen Display-Schrift „Blanc Groove” verleiht der Gestaltung einen dynamischen und charakterstarken Ausdruck. Die Unregelmäßigkeiten der Pflanzen(scans) werden so auf eine typografische Art und Weise visuell aufgegriffen und betont. Ergänzt wird dieses expressive Element durch die funktionale „Space Grotesk”, die für gute Lesbarkeit in Navigation und Fließtext sorgt. Beide Schriften spiegeln das Spannungsfeld zwischen wissenschaftlicher Präzision und künstlerischer Offenheit.
Die visuelle Gestaltung setzt sich auch in den analogen Anwendungen fort: Ausstellungsgrafiken, Wandplott und Printmedien basieren auf dem digitalen Konzept und transferieren es in den physischen Raum.
Das Herbarium Machina ist als wachsendes System angelegt. Die Website wird mit neuen 3D-Scans und durch weitere Kooperationen mit Botanischen Gärten fortlaufend erweitert. Das Projekt verbindet Gestaltung, Technologie und Wissenschaft zu einem lebendigen, visuell geprägten Zugang zur Pflanzenwelt.
Als Bildhauer bin ich tief in der angewandten Kunst verwurzelt, mit meinem gestalterischen Schwerpunkt und der Fragestellung von Möglichkeiten räumlicher Darstellungen von Materialität und Stofflichkeit. In dieser experimentellen Praxis ist ein sich erweiterndes Archiv aus Recycling-Gläsern entstanden, welches in der analytische Form eines Kubus und in dessen Wiederholung, die künstlerische Untersuchung der Qualitäten von Recycling-Gläsern verschiedenster Ursprünge zeigt.
Der Kubus in seiner reduzierten und eindeutigen Form, funktioniert als klar definierter Raum. Innerhalb dieses Raumes verwende ich gefundene Gläser aus Architektur, Technik und täglichem Gebrauch, welche in einen homogenen Körper geschmolzen werden. Es entwickeln sich Bildwelten, welche ein assoziatives Spiel mit den Betrachter:innen eingehen. Das Zufällige und Unerwartete wird hier gezielt als gestalterisches Element verwendet. Die sich ergebenden Eindrücke sind für mich ebenso spannend und vereinnehmend, wie für die Betrachter:innen. Für mich ist es ein künstlerischer Wissensschatz, aus dem ich in dieser vereinfachten Form Rückschlüsse auf die sich ergebenden Möglichkeiten der verschiedenen Materialitäten und Stofflichkeiten je nach Ursprung gewinnen kann. Durch die konkrete Gegenständlichkeit lassen sich die Erkenntnisse daraus teilen und in der räumlichen Darstellung der bildhauerischen Arbeit im Ausstellungskontext kommunizieren.
Die künstlerisch gestalterische Arbeit des experimentellen Glas-Archivs ist aktuell in der „Werkschau Sachsen“ Ausstellung in Chemnitz zusehen. (02.04.-04.09.2025 / ehm. Vulkan Maschinenfabrik – Gießerstr. 5)
Website: carl-bens.com
Instagram: @carl.bens
Die HUSS-CZERNY Ahle ist ein Manifest für eine neue Reparaturkultur
Ein starker Weg um Ressourcen zu schonen ist eine längere Nutzungsdauer. Oft braucht es dafür nur das richtige Werkzeug und aus „Wegwerfen und Nachkaufen“ wird „Selbstreparieren und stolz darauf Sein“.
Das Problem:
Aufgeplatzte Nähte am Lederschulranzen, ein sich lösender Riemen am Rucksack oder Nähte an der Jeans – gerade bei dickem Material sind Reparaturen oft mühsam. Nähmaschinen stoßen an ihre Grenzen, das Nähen von Hand ist schwierig und kraftaufwendig. So landen viele Dinge im Müll, obwohl sie eigentlich noch gut zu retten wären.
Die Lösung:
Die HUSS-CZERNY Handnähahle – das clevere Näh-Werkzeug für stabile Reparaturen.
Sie besteht aus einer Nadel mit Griff und Fadenspule. Sie ist ergonomisch optimiert um in der Hand „ganz natürlich“ ihren Platz zu finden. Die HUSS-CZERNY Ahle ist ideal für Leder, Plane, Gurtband & Co und hilft bei schwer zugänglichen Nähten.
Wer steckt dahinter:
Ulrich Czerny – gelernter Werkzeugmacher und Feinsattler mit jahrzehntelanger Erfahrung in der Arbeit mit Leder – und Jürgen Huss – Maschinenbauer und Tüftler aus dem Erzgebirge – verbindet die Leidenschaft für gutes Handwerk. Gemeinsam haben sie ein altes, vergessenes Werkzeug hervorgeholt und weiterentwickelt und Funktionalität, Ergonomie und Nachhaltigkeit auf den Punkt gebracht.
Statement:
„Die Kunst der Reparatur. Meine Dinge selbst reparieren zu können ist für mich eine Lebenskunst. Ich empfinde Glück, wenn ich eine Reparatur erfolgreich abgeschlossen habe – und dieses Glück kehrt jedes Mal zurück, wenn ich der reparierten Sache in meinem Alltag wieder begegne. Viele Dinge werden dadurch zu einem Teil von mir, werden schöner und erhalten für mich einen neuen, höheren Wert.
Kaufen kann jeder – Reparieren ist die Kunst.“
Website: lederdesign.de/huss-czerny_ahle
Instagram: @czerny_lederdesign
Youtube: @Czerny Lederdesign
Die Arbeit Cycle entstand als Kommission der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden für die Kinderbiennale 2024/2025 im Japanischen Palais. Wir wurden als Designstudio beauftragt, einen Raum der Biennale Ausstellung zu gestalten, der die mit dem Thema „Planet Utopia“ verbundenen Aspekte Nachhaltigkeit, jugendliche Zukunftsvorstellungen und Empowerment künstlerisch-gestalterisch aufbereitet. Als Designer war es uns wichtig, gemeinsam mit dem Kinderbeirat eine spielerische, freudvolle und bewusstseinsschärfende Rauminstallation zu gestalten.
Entstanden ist ein Rummelplatz der Zukunft. Oder zumindest ein Ausschnitt davon. Drei Greifautomaten sind mit großen Mengen verschiedener Einweg-Kunststoffverpackungen befüllt. Die jungen Museumsbesucher*innen können mit bereitgestellten Münzen (so viele sie wollen) versuchen, sich Plastikabfall herauszuangeln. Durch das Erspielen und Gewinnen, wird aus „Müll“ wieder ein „Wertstoff“, der im Anschluss sortiert wird. Hierfür können die jungen Museumsbesucher*innen entweder einen Scanner verwenden oder mit Lupen nach den Kunststoffkennzeichnungen auf den Verpackungen suchen, um sie anschließend in die richtige Box zu werfen. So wird einerseits erlernt, dass „Plaste“ nicht gleich „Plaste“ ist und wie wichtig es ist, Kunststoffe zu trennen, um anschließend möglichst sortenreine Stoffkreisläufe zu ermöglichen.
Im Rahmen der Kinderbiennale war es an den Wochenenden möglich, die Kunststoffe auf einem Fahrrad zu schreddern und mithilfe einer Handspritzgussanlage zu neuen Objekten zu verpressen. Dabei entsteht eine neue, farbenfrohe Produktästhetik und die Kinder erfahren und begreifen den Herstellungsprozess von Kunststoffprodukten auf spielerische und aktive Weise. Um diese mögliche utopische Warenwelt zu visualisieren, haben wir verschiedene Produkte ausgestellt, die bereits mit diesem Verfahren produziert wurden. Diese neue „Future Fair for a Fair Future“ ist bereits für nächste Ausstellungen gebucht.
Website: theconstitute.org
Instagram: @the_constitute
LinkedIn: @theconstitute
Alles begann mit Fäden, gewonnen aus Flachsfasern oder der Schafwolle, verwoben durch Kette & Schuß zum ersten Tuch der Welt.
Das Weben zählt zu den ältesten Handwerkskünsten der Menschheitsgeschichte. Ohne ein Gewebe gäbe es keine Kleidung, die uns schützt & darüber hinaus Ausdruck des eigenen Selbstbildes sowie des gesellschaftlichen Status‘ ist. In der westlich geprägten Konsumgesellschaft haben wir aufgrund des fast vollständigen Verschwindens der regionalen Textilindustrie den Bezug zu den enorm aufwendigen, zeitintensiven Arbeitsprozessen der Tuchherstellung verloren. Stattdessen verbrauchen wir billige, oft qualitativ schlechte Fast Fashion Kleidung zum Wegwerfen & jagen einem vermeintlich notwendigen Modetrend hinterher – auf Kosten von Menschen, Tieren & Umwelt am anderen Ende der Welt. Die uralte Tradition der Tuchmacherei erzähle ich am Beispiel der Geschehnisse meiner Heimatstadt Forst (Lausitz), einst berühmtes Deutsches Manchester. Dabei verwebe ich meine Geschichte mit dem rund zweieinhalb Jahrhunderte langen Schicksal meiner Tuchmacherfamilie, für die vor allem das 20. Jahrhundert eine Zeit der stetigen Verluste & Neuanfänge darstellte: mit zwei Weltkriegen, Inflationen, Wirtschaftskrisen, den Schwierigkeiten als Privatunternehmer während der Ära DDR mit der 1972 erfolgten Verstaatlichung sowie des Umbruchs ab 1989.
Meine Tuchmacherei-Geschichte möchte zum Nachdenken über die Kostbarkeit von Kleidung gegen Fast Fashion anregen, um das eigene Gewand wieder mit wertschätzenden Augen zu betrachten – als Hommage an ein unverzichtbares Handwerk, als Plädoyer für Nachhaltigkeit, Langlebigkeit & Zeitlosigkeit unserer Zweiten Haut.
Meine Buchgestaltung ist eine Allegorie auf die Tuchmacherei: mit genähten Fäden auf Umschlag & Lesezeichen, Schweizer Broschur mit roter Fadenheftung, der Farbe Backsteinrot für die backsteinroten Tuchfabriken, vertikal & horizontal gestellter Schrift für Kette & Schuß.
Website: inabrink.com/die-macher-der-tuche
Motivation:
Das Aktionslabor Redaktionelle Gesellschaft ist eine mobile, interaktive, kostenfrei zugängliche Ausstellung zu den Themen Nachrichten-, Informations- und Journalismuskompetenz. Es soll informieren, durch Irritation Aufmerksamkeit generieren und niedrigschwellig, unterhaltsam, unkompliziert zum Nachdenken über den Umgang mit Informationen anregen. Denn: Der kompetente Umgang mit Informationen ist Grundlage einer funktionierenden Demokratie.
Zielgruppe:
Die Zielgruppe sind vor allem Erwachsene in Bibliotheken, die sich bisher wenig mit (Des-)Information auseinandergesetzt haben und für die es wenig Bildungsangebote zu den genannten Themen gibt.
Gestaltung:
Das Aktionslabor ist für eine Minimal-Fläche von 4 x 4,5 m konzipiert. Die Elemente können flexibel, kreativ angeordnet werden, sodass Räume individuell bespielbar sind. Sie sind leicht transportierbar, brauchen keine Fachkenntnis beim Aufbau und bestehen aus insgesamt drei illustrierten Säulen, die 200 x 50 x 50 cm groß sind. Zwei davon transportieren Inhalte über Text und Bild, die dritte Säule beinhaltet ein VR-Game. Zudem gehören drei Spielpodeste mit Leinwand und Sitzhockern zur Ausstellung.
Ziele/Ergebnisse:
1. Prägnant und unterhaltsam erklären: Das Hands-on-Labor wurde von unserer Dresdner Kreativagentur lilazwei konzipiert, designt, redaktionell erarbeitet und technisch begleitet. Drei Säulen erklären spielerisch, niedrigschwellig Aspekte der Nachrichtenkompetenz. 2. Anregen und aktivieren: Menschen werden eingeladen, ihre Nachrichtennutzung zu reflektieren und durch Spielszenarien zu hinterfragen. 3. Problemlösung: Es geht darum, Menschen, die sich an „dritten (Alltags-)Orten“ begegnen, in den Dialog zu bringen. 4. Unterhalten, nicht belehren: Das Aktionslabor will kurz Irritation erzeugen, aber kein Misstrauen gegenüber Medien.
Ton/Emotion/Wirkung:
Das Aktionslabor hat einen experimentellen, offenen Ton – wie im Forschungslabor wird erkundet, wie Medien und Journalismus wirken. Mit seinem werkstattartigen Charakter lädt es ein, Medienverhalten zu erforschen – im prozesshaften Ausprobieren. In Sachsen entwickelt ist es nun in diversen deutschen Städten zu sehen.
„All the Games We Could Have Played“ ist ein illustriertes Bilderbuch für Erwachsene, das klassische Kinderspiele als Quelle von Menschlichkeit, Verbindung und innerer Stärke neu interpretiert. Ziel des Projekts war es, eine bewusste Gegenbewegung zur digitalen Reizüberflutung zu schaffen – ein haptisches, entschleunigendes Buch, das Erinnerung und Spiel als Form der Selbstfürsorge begreift.
Das 350 Seiten starke Buch ist in zwei Teile gegliedert: Ein persönlicher Brief führt in das Thema ein, gefolgt von 28 Spielen, die jeweils mit poetischem Text, emotionalen Erinnerungen und eigenständigen Illustrationen erzählt werden. Jedes Spiel steht für eine Erfahrung, ein Gefühl, eine kleine Lebenslektion.
Besonderheiten / Alleinstellungsmerkmale:
• Kombination aus Poesie, Illustration und Design in einem Buchprojekt dieser Größenordnung
• interaktiver Charakter: Leser:innen sind eingeladen, eigene Spiel-Erinnerungen zu reflektieren
• stilistisch bewusst reduziert und warm, mit Fokus auf haptische, analoge Qualität
• thematisch relevant: Fördert Achtsamkeit, spielerische Selbstreflexion und analoge Verbindung
Die Designmission war es, ein Objekt zu gestalten, das nicht nur schön anzusehen ist, sondern auch zum Innehalten und Erinnern anregt – ein Buch, das man nicht einfach liest, sondern erlebt.
Website: auh-dayeon.com
Instagram: @dayeon.auh
Die Gestaltung von Schulbüchern spielt eine zentrale Rolle im Bildungsprozess. Sie prägt, wie Lerninhalte präsentiert und von Schüler:innen wahrgenommen werden, und beeinflusst maßgeblich die Motivation und den Lernerfolg. Betrachtet man den deutschen Schulbuchmarkt, fällt jedoch auf, dass sich die visuelle Gestaltung von Schulbüchern sehr langsam weiterentwickelt und wenig mit dem zu tun hat, wie aktuelles Grafikdesign unsere Medienlandschaft prägt. Die Arbeit untersucht die Entstehung, Funktion und Gestaltung deutscher Schulbücher, entwickelt darauf aufbauend ein Gestaltungskonzept für ein modernes Schulbuch und setzt dieses exemplarisch in der Neugestaltung des Terra Geographie 8 vom Ernst Klett Verlag um.
Dabei verbindet das Konzept analoge und digitale Elemente zu einer modernen, flexiblen Lernumgebung. Es berücksichtigt sowohl didaktische als auch gestalterische Anforderungen, indem es klare visuelle Strukturen, eine gezielte Reduktion von Komplexität und den Einsatz zeitgemäßer Gestaltungselemente kombiniert. Durch den Einbezug digitaler Nutzungsmuster und interaktiver Komponenten erleichtert es Schüler*innen den Zugang zu Inhalten und fördert das selbstständige Lernen. Während das gedruckte Buch Übersichtlichkeit und Verlässlichkeit bietet, ergänzt die digitale App die Inhalte durch interaktive Elemente, Lernziel-Zusammenfassungen und vertiefende Materialien. Eine intuitive Navigation und gezielte Strukturierung ermöglichen eine schnelle Orientierung, während Lehrkräfte Inhalte flexibel und individuell nach den Bedürfnissen ihrer Lerngruppe anpassen können. Durch die intensive Auseinandersetzung mit Farbgestaltung, Typografie und Lesbarkeit schafft das Konzept ein barrierearmes Lernmaterial und fördert somit die Zugänglichkeit.
Die Arbeit zeigt, wie durch eine durchdachte Gestaltung die Grenzen zwischen analogen und digitalen Bildungsmedien sinnvoll überwunden werden können und liefert einen innovativen Beitrag zur Diskussion über die Zukunft von Schulbüchern.
Das Projekt GreTA („Generative Herstellung von recyclingfähigen Grundstrukturen für die Theaterplastik aus naturbasierten Ausgangsstoffen“) ist eine interdisziplinäre Forschungsinitiative der Hochschule für Bildende Künste Dresden (HfBK) und des Instituts für Leichtbau und Kunststofftechnik (ILK) der TU Dresden. Das Projekt wurde im Zeitraum von 2021 bis 2024 durch Mittel der SAB bzw. des SMWK gefördert.
Im Rahmen von GreTA wurden verschiedene naturbasierte Stoffe wie Kork und Gelatine erforscht, die im 3D-Druck verarbeitet werden können. Diese Materialien bieten eine umweltfreundliche Alternative zu herkömmlichen, oft schwer recyclebaren Stoffen (Styropor, Composites). Durch additive Fertigung können individuelle, komplexe, leichte und stabile Geometrien erzeugt werden, die den Anforderungen der Theaterplastik gerecht werden – und gleichzeitig zu 100% recyclingfähig sind.
Obwohl GreTA für die Theaterplastik konzipiert wurde, finden die entwickelten Materialien sowie Gestaltungsrichtlinien auch Anwendung in der Herstellung von Alltagsgegenständen. Die Prinzipien der Materialinnovation und des Designs lassen sich auf verschiedene Bereiche übertragen, was das Potenzial für eine breite Marktrelevanz und interdisziplinäre Anschlussfähigkeit unterstreicht.
Die plastischen Objekte, wie auch Hocker, Tische und Leuchten, zeichnen sich durch ihre organischen Formen und die Sichtbarkeit des Fertigungsprozesses aus. Als Designansatz eröffnet dies neue narrative Möglichkeiten, indem die Materialwahl und Formensprache in den Mittelpunkt gestellt werden und so eine tiefere Verbindung zwischen Kunst, Umweltbewusstsein und Technologie geschaffen wird.
Das Projekt steht somit nicht nur für eine künstlerisch-technische Innovation im Bereich der Theaterplastik, sondern auch für einen Paradigmenwechsel in der Gestaltung nachhaltiger und funktionaler Designobjekte sowie visueller und haptischer Qualitäten. Nach Ablauf des Förderzeitraums wurde das Projekt GreTA in „Studio Corqubic“ umbenannt.
Website: hfbk-dresden.de/lehre-forschung/forschung/forschungsprojekte/greta
Instagram: @studio_corqubic
Visuelle Interventionen als Umgangsform mit dissonanten Objekte oder Kunst- und Bauwerken verfolgen meist den Zweck, auf gesellschaftliche Missstände und Veränderungen hinzuweisen oder politische Statements zu betonen. Sie können sowohl eine Bühne für die Diskussion kontroverser Themen schaffen als auch zur Folge haben, eine tiefere Auseinandersetzung mit der Geschichte zu generieren und somit Werte einer Gesellschaft zu reflektieren, neu zu verhandeln.
Hier setzt das Projekt Schandmal/Mahnmal an: An mehr als 30 Fassaden von Kirchen in Deutschland befinden sich seit dem 13. Jahrhundert bis heute antisemitische Schmähplastiken, die das Bildprogramm der sogenannten Judensau wiedergeben. Über einen zeitgemäßen Umgang, die Kontextualisierung und Aufklärung des dissonanten Reliefs wird bis heute kontrovers diskutiert. Was also ist ein angemessener, sensibler und zeitgemäßer Umgang mit antisemitischen Bildprogrammen wie der sogenannten Judensau? Wie kann eine nachhaltige Erinnerungskultur für diffamierende Plastiken entwickelt werden?
In zwei Publikationen möchte sich das Projekt dem Diskurs über den Umgang mit dissonantem Erbe annähern. Das Faltplakat enthält Hintergrundinformationen und eine multiperspektivische, fiktive Diskussion zwischen 15 Akteur:innen aus Kirche, Architekturgeschichte, Politik und Gesellschaft, welche sich in dieser Konstellation nie begegnet sind, sondern zuvor in Einzelinterviews befragt wurden. Diese Interviewcollagierung steht auch als Audioguide zur Verfügung.
Das Begleitheft thematisiert praxisnahe und experimentelle künstlerische Interventionen und Verhüllungsmethoden am Beispiel der Schmähplastik in Wittenberg. Im Herzen der Arbeit steht das Modell (Maßstab 1:2) des konkreten Interventionsvorschlags. Ziel des Projekts ist es, mithilfe einer solchen vielschichtigen Intervention und Kontextualisierung ein Objekt dissonanten Erbes als sogenanntes Schandmal zu einem Mahnmal zu transformieren und einen multiperspektivischen Lernort anzubieten.
Instagram: @josephine_dishoni
Instagram: @_staenz
Rückenschmerzen betreffen über 60 % der Bevölkerung, jeder Fünfte leidet chronisch. Gleichzeitig mangelt es an Physiotherapeut:innen, besonders in Sachsen. Die Folge: lange Wartezeiten, kurze Therapien, kaum Anleitung zu Hause. Rein digitale Therapieangebote bleiben oft abstrakt; vielmehr braucht es hybride Lösungen, die menschliche Betreuung mit smartem Feedback verbinden.
Das veiio Shirt setzt genau hier an – als intelligenter, empathischer Begleiter für zu Hause. Es unterstützt Patient:innen durch präzises, multimodales Feedback direkt am Körper: Es sendet vibrotaktile Signale an der Stelle, wo eine Haltungsanpassung nötig ist, kombiniert mit auditiven Anleitungen. Es vermittelt Sicherheit, stärkt das Körpergefühl und macht korrekte Bewegung spürbar.
Design ist dabei nicht nur Mittel, sondern Schlüssel. In Co-Kreation mit Physiotherapeut:innen, Patient:innen und dem Universitätsklinikum Dresden (UKD) wurde ein System entwickelt, das sich in den Alltag einfügt, ohne zu stören. Sensorik, Feedbacklogik und App-Interface folgen einem nutzerzentrierten, körpernahen Gestaltungsansatz.
Im Zentrum steht die Gestaltung der „Embodied Experience“: Wie fühlt sich digitale Therapie an? Wie entsteht Vertrauen in Technik, die den Körper berührt? Design wird hier zur Brücke zwischen Versorgung und Selbstwirksamkeit – durch intuitive Interaktion, klare Kommunikation und emotionale Nähe.
Der Ansatz ist bewusst hybrid: Das veiio Shirt soll Physiotherapeut:innen nicht ersetzen, sondern ihnen ein wirkungsvolles Werkzeug geben für moderne, flexible Versorgung. Sie behalten den Überblick über Trainingsfortschritte und gewinnen Zeit für das, was zählt: persönliche Betreuung. Studien mit 96 Teilnehmenden am UKD zeigen die Wirksamkeit. Der Einsatz des veiio Shirts in Präventionskursen ist ab Q2 2026 geplant.
Hervorgegangen aus der Professur für Technisches Design der TU Dresden, wurde 2024 die veiio UG gegründet. Das veiio Shirt zeigt, wie Design neue Technologien für die Gesundheitsversorgung nutzbar macht: nah am Menschen, spürbar, wirksam.
Website:veiio.de
